EO: Die ultimative Szene des Kinos

In einem bahnbrechenden Aufsatz aus dem Jahr 2009 argumentierte der einflussreiche Autor John Berger, dass kapitalistische Gesellschaften Tierbilder zur Ware gemacht und sie auf Bilder der Unschuld reduziert hätten. In unserem täglichen Leben, schrieb er, seien Tiere in den Bereich der Familie oder des Spektakels verbannt worden – am offensichtlichsten als Haustiere oder in Zoos.

EO, der neueste Spielfilm des polnischen Filmemachers Jerzy Skolimowski, weicht von den historisch auffälligen, gekünstelten und stuntreichen Darbietungen von Tieren im Kino ab, vom frühen Kapriolen Bout de Zan Vole un Eléphant (1913), in dem ein Kind einen Elefanten stiehlt von einem Zirkus bis hin zu Fearless Fagan (1952), wo ein neu eingezogener Soldat seinen Lieblingslöwen in die Kaserne bringt. In seinem zurückhaltenden und dennoch emotional niederschmetternden neuen Film schafft Skolimowski, Regisseur von Le Départ (1967), stattdessen eine subtilere Darstellung der Erfahrung eines Tieres. Mit Aufnahmen, die in EOs nachdenklichen, wehmütigen Augen verweilen, und Gegenaufnahmen, die seinen Blick einfangen, liefert der Film ein überwältigend überzeugendes Beispiel dafür, wie es sein könnte, die Welt als Esel zu erleben.

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EO beginnt damit, dass ein Zirkus bankrott geht und seine Showtiere in Lastwagen gebündelt werden, während um sie herum unheilvoll ein Protest gegen den Tierschutz herrscht. Von diesem Zeitpunkt an wird EO, der Esel, an eine Reihe von Händlern herumgereicht: illegale Pferdefleischhändler, Fuchszüchter und ein ehemaliger Priesterpraktikant (Lorenzo Zurzolo), der EO erzählt, dass er Salami „aus Eselsfleisch“ gegessen hat. In den Zwischenspielen, in denen er sich kurzzeitig befreit, trottet EO weiter, in der Hoffnung, irgendwann nach Hause zu seiner liebevollen Trainerin Kasandra (Sandra Drzymalska) zurückzukehren. „Ich habe menschliche Geschichten als viel weniger wichtig angesehen“, sagt Skolimowski gegenüber BBC Culture. „Ich habe sie praktisch auf Vignetten reduziert. Die Geschichten, die ich über diese wenigen Menschen erzählte, waren nicht aufregend – es sind typische menschliche Situationen, in denen [die Schauspieler] die typischsten menschlichen Verhaltensweisen und Stimmungen zeigen: Wut, Liebe, das Bedürfnis nach Rache.“ Ich habe dem Publikum nur ein Minimum an Informationen gegeben, weil es zwischen den Zeilen liest. Für mich war der Esel – seine Reaktionen, seine Kommentare in diesen riesigen melancholischen Augen – das wichtigste Element des gesamten Films.“

EO liefert ein überzeugendes Argument dafür, wie es sein könnte, die Welt als Esel zu erleben (Quelle: Skopia Film)

Im letzten Jahrzehnt haben Filmemacher – insbesondere im Dokumentarfilmbereich – über den Menschen hinausgeschaut und die Geschichten und Perspektiven von Tieren in den Vordergrund gerückt. Kedi (2016) und Stray (2020) folgten umherstreifenden Katzen bzw. Hunden, die durch die Straßen Istanbuls streiften und versuchten, sich in der turbulenten Metropole Platz zu schaffen. Bartek Konopkas „Kaninchen à la Berlin“ (2009) wurde dafür gepriesen, eine völlig neue Perspektive auf den Fall der Berliner Mauer zu zeigen – aus der Sicht der Kaninchen, die ruhig und weitgehend frei von menschlichen Konflikten in der Zone zwischen Ost- und Westdeutschland lebten . Denis Cotés Bestiaire (2012) untersuchte die Beziehung zwischen dem gefangenen Tier und dem menschlichen Blick, Emmanuel Gras‘ Bovines ou la Vraie Vie des Vaches (Das Leben einer Kuh, 2011) befasste sich mit dem Innenleben von Nutztieren und Victor Kossakovskys wortloses Scheunenhofset Der Dokumentarfilm Gunda (2021) konzentrierte sich auf ein Mutterschwein. Im ersten abendfüllenden Dokumentarfilm Cow (2021) der britischen Regisseurin Andrea Arnold ging es darum, „die Lebendigkeit eines nichtmenschlichen Tieres zu zeigen“, sagte sie gegenüber Vulture. „Unsere Beziehung zu den Millionen nichtmenschlicher Leben, die wir nutzen, ist ein wesentlicher Teil unserer Existenz. Ich habe Cow gemacht, um zur Auseinandersetzung damit einzuladen“, schrieb sie im Guardian.

Diese neue Neugier aus einer kreatürlichen Perspektive hält nach und nach Einzug in das Spielfilmschaffen. „White God“ (2014) untergräbt die typische Tierangriffserzählung von Filmen wie „Die Vögel“ (1963) und „Planet der Affen“ (1968) und schildert einen Tieraufstand aus der Sicht eines Hundes, der an ein Tiergefängnis gebunden ist. „Lost and Beautiful“ (2015) des italienischen Regisseurs Pietro Marcello ist ein Pseudodokumentarfilm über die Puppenfigur Pulcinella, teilweise erzählt von dem Büffel, den er in die Zuflucht führt. Michael Sarnoskis „Pig“ (2021) mit Nicolas Cage in der Hauptrolle wurde nach dem Trüffel suchenden Schwein benannt, in dem die Natur auf der Kippe zu stehen scheint. In diesem Jahr bietet Martin McDonaghs Oscar-nominierter Film „The Banshees of Inisherin“ eine mit Standing Ovations verdiente Darbietung von Jenny the Donkey und schenkt den emotionalen Abstufungen seiner Tierdarsteller viel mehr Aufmerksamkeit. In der Vergangenheit wurden Tierdarsteller oft in sentimentalen Kinderfilmen wie Lassie Come Home (1943) oder Babe (1995) verbannt.

White God (2014) untergräbt die Tierangriffserzählung und schildert einen Tieraufstand aus der Sicht eines Hundes (Quelle: Alamy)

Die Prämisse von EO – ein Esel, der zwischen Besitzern weitergereicht wird – ist Robert Bressons Au Hasard Balthazar (1966) entnommen, aber in diesem Film ist das Tier zweitrangig gegenüber der menschlichen Geschichte, ein narratives Vehikel, das die Last der Handlungen der Hauptfiguren trägt. Bressons Gleichnis soll von Fjodor Dostojewskis „Der Idiot“ inspiriert sein und dreht sich um einen Mann, der christliche Ideale verkörpert und die Korruption der modernen Gesellschaft nicht überleben kann. Im Gegensatz dazu ist EO mit zeitgenössischen Umweltbelangen verwoben, sagt Skolimowski. „Dieser Film entstand aus Liebe zu Tieren und Liebe zur Natur“, sagt er. „Deshalb haben wir versucht, diese Liebe auf jede erdenkliche Weise zum Ausdruck zu bringen, also nicht nur durch die Schönheit der Landschaften, das sanfte Verhalten der Tiere, sondern auch durch den Versuch, etwas Humor in die Geschichte einzubringen. Wir haben versucht, sie zu erzählen.“ es leichtfertig, weil die Botschaft so wichtig war, dass wir sie vorsichtig hineinschmuggeln wollten. Diese Botschaft, so Skolimowski, beziehe sich auf Methoden der industriellen Landwirtschaft: „Die menschliche Natur ist sich endlich der Tatsache bewusst, dass der Fleischkonsum und insbesondere die industrielle Landwirtschaft ethisch sehr fragwürdig ist. Wie können wir es uns erlauben, über Leben und Tod von [ andere] Lebewesen?“

Eine wechselnde Perspektive

In ökokritischen Studien ist der Begriff „Anthropozentrismus“ – der den Menschen als das überlegene Wesen im Universum behandelt – zum Schlüsselfaktor für Diskussionen über Umweltkatastrophen geworden. Viele Experten für Tierstudien behaupten, dass es für die Bewältigung der Klimakrise von entscheidender Bedeutung ist, dieser Annahme entgegenzuwirken, während der Anstieg des Vegetarismus und Veganismus im letzten Jahrzehnt – angespornt durch ein größeres öffentliches Wissen über unethische Methoden der industriellen Landwirtschaft – auch das Bewusstsein für das Nichtmenschliche geschärft hat. „Die Art und Weise, wie wir über Tiere und insbesondere Säugetiere denken, hat sich in der Öffentlichkeit verändert“, sagt Dr. Anat Pick, eine Forscherin, die sich auf die Schnittstelle zwischen Tier- und Filmstudien spezialisiert hat, gegenüber BBC Culture. „Vielleicht steht das Empfindungsvermögen von Tieren nicht mehr zur Debatte. Es hat zum Teil auch mit der Klimakrise und dem Verständnis der Menschen zu tun, dass der Mensch nicht allein auf der Welt ist, dass wir Teil von etwas sind.“

„Anthropomorphismus“, bei dem einem nichtmenschlichen Tier oder Objekt menschliche Eigenschaften verliehen werden, ist, so John Berger, der Kern der verzerrten Beziehung des Menschen zur Tierwelt. Kinderbücher wie das von Beatrix Potter oder Filme wie Homeward Bound (1993), in denen sprechende Tiere vorgestellt werden, verwandeln sie wohl in Sprachrohre für menschliche Probleme und Anliegen. EO strebt eine weitaus weniger anthropomorphe Darstellung seines tierischen Protagonisten an

EO entlehnt seine Prämisse dem Film Au Hasard Balthazar von Robert Bresson aus dem Jahr 1966 (Quelle: Alamy)

Mitten im Film wandert der Esel, nachdem er aus einem Schutzgebiet geflohen ist und durch Feld und Wald gewandert ist, in eine polnische Kleinstadt. „Der Esel sollte Fische in einem [Schaufenster] betrachten, aber er schaute, und er sah sich selbst, sein eigenes Spiegelbild, und fing an, ein Geräusch zu machen“, sagt Agata Kordos, Chef-Wranglerin von EO, gegenüber BBC Culture. „Das war eine spontane Reaktion und wurde tatsächlich im Film verwendet. Im Gegensatz zu einem Hund, dem man beibringen kann, auf Befehl Lärm zu machen, macht ein Esel das nicht. Manchmal denkt man, man hätte dem Esel beigebracht, Lärm zu machen.“ auf Kommando, aber so funktioniert das nicht – er macht, was er will.“

Momente wie dieser, schlägt Pick vor, kommen in Arthouse-Filmen häufiger vor und sind das Ziel des Mainstream-Kinos: „Tiere stören die Erzählung. Wenn sie nicht trainiert sind und ihre Bewegungen nicht vorhersehbar sind, führen sie all diese Dinge ein, die das Kino ausmachen.“ Wunderbar – Spontaneität, Unvorhersehbarkeit, Bewegung, Dynamik und Lebendigkeit. Wenn sich der Regisseur dazu verpflichtet, das zuzulassen, ist das meiner Meinung nach ein großartiger Tierfilm.“

Tiere im Mittelpunkt

Tiere sind seit den Anfängen des Kinos vor der Kamera zu sehen, und die erste filmische Technologie entstand in Eadweard Muybridges „Pferd in Bewegung“ (1878). Im frühesten Film mit einem Tierdarsteller, „Vom Rover gerettet“ (1905), war ein tapferer Hund zu sehen, der ein entführtes Baby mit seinen Eltern wieder zusammenführte, wobei Collie Blair – der bald ein bekannter Name werden sollte – die Hauptrolle spielte. „Diese Erzählungen von Liebe, Loyalität und Zuneigung von Tieren sind durch die Kinos gegangen“, sagt Dr. Claire Parkinson, Autorin von „Popular Media and Animals“, gegenüber BBC Culture. „Es gibt diese romantisierte Beruhigung der Mensch-Tier-Bindung.“ In seinem 1993 erschienenen Buch „Picturing the Beast“ argumentierte Steve Baker, dass Tiere in Kriegsfilmen als Symbole für eine Nation gedient haben. Denken Sie an „War Horse“ (2011), das einem vierbeinigen Helden an der Front folgt, oder „Dog“ (2022) mit Channing Tatum in der Hauptrolle, einer sentimentalen Geschichte über einen Jagdhund.

Tiere stehen seit der Erfindung der ersten Technologie im Mittelpunkt des Kinos. Eadweard Muybridges „Pferd in Bewegung“ (1878) (Quelle: Getty Images)

In den Anfangsjahren des Kinos waren Tiere einer Fangemeinde ausgesetzt, die der der menschlichen Schauspieler gleichkam, von Rin Tin Tin – dem Deutschen Schäferhund, der Berichten zufolge die meisten Stimmen für die ersten Oscar-Verleihungen erhielt und Warner Bros. vor dem Bankrott rettete – bis hin zu Rex, dem Wunderpferd. die verrückte Stute, die in den 1920er und 30er Jahren in Blockbustern mitwirkte. „Tierstars, insbesondere Hunde, wurden in Marketing und Werbung fast genauso behandelt wie menschliche Stars“, sagt Parkinson. „In den Fanmagazinen erhielten sie die gleiche Art von Berichterstattung. Sie sprachen über das, was der Hund tat, auf die gleiche Weise wie über das, was Menschen taten, als ob die Hunde völlig autonome Agenten wären.“

Änderungen der Vorschriften zum Tierschutz, angeführt von der American Humane Association, haben die heutigen Filmemacher auch davon abgehalten, wilde Tiere wie Löwen und Schimpansen zu verwenden, wie es früher üblich war. „In Hollywood hatten viele Studios ihre eigenen Zoos und sie brachten Tiere aus verschiedenen Ländern mit. Sie hatten Leute, die rausgingen, sie einfingen und wieder hereinbrachten“, erklärt Parkinson. Dies zeigte sich in frühen Sketchen wie Charlie Chaplins The Circus (1928) oder später im berüchtigten Bedtime for Bonzo (1951) – während der Produktion wurde Hauptdarsteller Ronald Reagan beinahe erdrosselt, als der Affe an seiner Krawatte riss. „Sicherlich waren die Menschen in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts von dieser Vorstellung vom afrikanischen Subkontinent, von den Menschen und den Tieren, fasziniert“, sagt Parkinson. „Viele Filme der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts wurden daher mit der Begründung beworben, dass sie diese wilden Tiere enthielten.“

„Wenn man in einen Zoo geht, sieht man Tiere, die Kunststücke vorführen und auftreten“, fährt Parkinson fort. „Die Menschen waren fasziniert von der Vorstellung, dass Tiere sich wie Menschen verhalten könnten. In der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts wurde viel über Wissenschaftler berichtet, die Schimpansen so erzogen, als wären sie Menschen.“ Die Einführung eines Filmbewertungssystems im Jahr 1968, sagt Parkinson, war der Zeitpunkt, an dem das Publikum für Tierfilme divergierte und zwei Genres entstanden: familienfreundliche Filme oder die Öko-Horrorfilme der 70er und 80er Jahre. In „Dogs“ (1976), „Long Weekend“ (1978) und „Night of the Lepus“ (1972) ging es zum Beispiel um das Zurückhalten der Natur, was die Sorgen über vom Menschen verursachte Schäden widerspiegelte.

Dieselben Bedenken treiben diese jüngste Welle von Tierfilmen an, obwohl der Anstoß eher von Empathie als von Angst zu stammen scheint. Pick befürchtet, dass das Mitgefühl dort enden könnte: „Wir versuchen, unsere schreckliche Beziehung zu anderen Tieren in unserem täglichen Leben mit unserer Fähigkeit in Einklang zu bringen, uns in sie hineinzuversetzen und sie als Personen zu erkennen“, sagt sie. „Für mich haben diese Filme etwas sehr Konsensbildendes und Beruhigendes. Die Leute gehen ins Kino, sie sehen zu, wie Tiere leiden, sie fühlen sich gut, weil es ihnen schlecht geht.“

In den Anfangsjahren des Kinos wurden Tierstars wie der Deutsche Schäferhund Rin Tin Tin ebenso gefeiert wie ihre menschlichen Gegenstücke (Quelle: Getty Images)

Parkinson glaubt, dass es niemals wirklich möglich sein wird, eine Tiergeschichte auf die Leinwand zu bringen, ohne sie in irgendeiner Weise an die menschliche Form anzupassen. „Filme dienen der Mensch-zu-Mensch-Kommunikation. Damit eine Erzählung funktioniert, muss es also eine menschliche Interpretation des Verhaltens von Tieren geben, und zwar in einem Spektrum: Einerseits geht es darum, ein Tier dazu zu bringen, sich so zu verhalten, wie ein Mensch es tun würde, und andererseits darum, was ist es, eine menschliche Erzählung über das Verhalten von Tieren zu haben“, sagt sie. „Es muss auf irgendeiner Ebene in eine humanisierte Geschichte übersetzt werden, sonst wäre es für uns unglaublich schwierig, einen Sinn daraus zu ziehen.“

Für Skolimowski war dies Teil des Appells. Bevor er mit dem Projekt „EO“ begann, sehnten sich der Regisseur und seine Frau und Co-Produzentin Ewa Piaskowska nach einer Erzählmethode, die über die klassische lineare Struktur hinausgeht – „was für uns etwas langweilig war“, sagt er. „Wir wollten etwas anderes machen. Indem wir die Tierfigur als Hauptfigur der gesamten Geschichte besetzten oder die Geschichte noch weiter durch die Tierfigur erzählten, versuchten wir, den Stimmlosen, denen, die es konnten, eine Stimme zu geben.“ „Ich spreche nicht für mich selbst.“

EO wird am 3. Februar in Großbritannien veröffentlicht.

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