„Der Schöpfer“ und sein Krieg zwischen Menschen und künstlicher Intelligenz

Regisseur Gareth Edwards spricht auch über filmische Einflüsse und die Inspiration für das Roboterdesign.

Vom FilmemacherGareth Edwards(Rogue One, Godzilla, Monsters), der Science-Fiction-Action-ThrillerDer Schöpfer(erscheint am 29. September in den Kinos und auf IMAX) spielt in einer Zukunft, in der sich die Menschheit und künstliche Intelligenz im Krieg befinden und ein Mann, ein ehemaliger Spezialeinheitsagent namens Joshua (John David Washington ), gefangen zwischendurch und ohne klare Antworten. Trauer nach dem Verschwinden seiner Frau (Gemma Chan) und auf einer Mission, den Schöpfer zu jagen und zu töten, der die fortschrittliche KI entworfen hat, entdeckt Joshua, dass der junge Alphie (Madeleine Yuma Voyles) hat das Potenzial, die Menschheit und die Welt zu verändern.

Nach einer kürzlichen IMAX-Vorführung von drei Szenen aus dem Film nahm Regisseur/Co-Autor Edwards an einer Frage-und-Antwort-Runde teil, in der er darüber sprach, warum er das Science-Fiction-Genre so reizvoll findet und wie sich „The Creator“ zu dem entwickelt hat, was es heute ist: das Der Weg, eine epische Originalidee in Produktion zu bringen, Dreharbeiten an 80 Orten mit relativ wenig Greenscreen, wie relevant diese Geschichte über KI geworden ist, der Wunsch, einen anderen Ansatz für die Dreharbeiten zu verwenden, die Bedeutung des Castings, der Dreharbeiten zu den Kampfszenen, Filmische Einflüsse, Inspiration für Roboterdesign, ErhaltenHans Zimmeran Bord, um die Musik zu komponieren, und wie Science-Fiction Gelegenheit für soziale Kommentare bietet.

Frage: Dies ist Ihr vierter Film, der gleichzeitig auch Ihr vierter Science-Fiction-Film ist. Was ist das Besondere an diesem Genre, auf das Sie immer wieder zurückkommen?

GARETH EDWARDS: Gibt es noch andere Genres? Ich habe gehört, dass es Filme ohne Roboter gibt. Ich sehe es nicht so, ich mache Science-Fiction. Ich denke, die beste Science-Fiction ist eine Mischung verschiedener Genres. Meinen ersten Film (Monsters) sehe ich als eine Mischung aus Liebesgeschichte und Science-Fiction. Mein zweiter Film, Godzilla, ist ein Katastrophenfilm, der auf einen Science-Fiction-Film trifft. Star Wars (Rogue One) ist ein Kriegsfilm, der auf Science-Fiction trifft.

Wie ist The Creator entstanden? Wann und wo wurde Sie dazu inspiriert?

EDWARDS: Es war 19:32 Uhr an einem Dienstag. Nein. Es sind zahlreiche Dinge passiert, das Offensichtlichste war, dass wir gerade Rogue One beendet hatten. Die Familie meiner Freundin lebt in Iowa und wir sind quer durch Amerika gefahren, um sie zu besuchen. Als wir durch den Mittleren Westen fuhren und es überall Ackerland mit hohem Gras gab, schaute ich einfach aus dem Fenster. Ich hatte meine Kopfhörer auf und versuchte nicht, mir eine Idee für einen Film auszudenken, aber ich ließ mich ein wenig inspirieren. Ich habe gerade diese Fabrik mitten im hohen Gras gesehen und erinnere mich, dass darauf ein japanisches Logo zu sehen war, und ich dachte: „Oh, ich frage mich, was sie da da machen.“ Aufgrund meiner Neigungen dachte ich: „Oh, es sind wahrscheinlich Roboter, oder?“ Und dann dachte ich: „Okay, stellen Sie sich vor, Sie wären ein Roboter, der in einer Fabrik gebaut wurde, und dann könnten Sie plötzlich zum ersten Mal überhaupt nach draußen auf das Feld gehen, sich umschauen und den Himmel sehen.“ Wie würde das sein?“ Das fühlte sich wie ein wirklich guter Moment in einem Film an, aber ich wusste nicht, was das für ein Film war. Ich habe es weggeworfen, wie auch immer. Und dann klopfte es mir auf die Schulter und sagte: „Oh, das könnte es sein“, und diese Ideen begannen zu kommen. Während wir die Reise fortsetzten, hatte ich, als wir am Haus ankamen, den gesamten Film im Kopf, was nie passiert ist. Ich dachte: „Okay, vielleicht ist das mein nächstes Ding.“

Das ist ein originelles Konzept, mit dem Sie hier arbeiten. Wie haben Sie New Regency als Produzent ins Boot geholt?

EDWARDS: Ich muss mich wirklich an New Regency wenden, denn wie Sie wahrscheinlich in letzter Zeit im Kino bemerkt haben, werden nur sehr wenige Originalfilme gedreht, und das liegt daran, dass alle sehr waffenscheu geworden sind und die Franchises und IPs immer wieder ein wenig aufgebauscht werden . Hut ab vor New Regency, weil es im Grunde genommen den Mut hat, einen großen Schwung zu wagen und so etwas zu tun. Einige meiner engsten Freunde sind Konzeptkünstler, also habe ich alle meine Freunde gefragt: „Ich bezahle dich, aber könntest du ein paar Kunstwerke für diese Idee machen, die ich habe?“ Und habe einfach damit begonnen, diese Bildbibliothek aufzubauen, bis ich hatte etwa 50 Bilder. Ich habe es meinem Agenten nicht gesagt. Ich habe es sehr geheim gehalten, weil ich keinen Druck darauf ausüben wollte. Ich bin gerade zu New Regency gegangen und habe das gesamte Artwork entworfen und ihnen die Idee Schritt für Schritt erklärt, was ich hasse. Ich hasse es, ein Autoverkäufer zu sein. Ich möchte einfach nur auf „Play“ des Films klicken. Das ist meine Lieblingsbeschäftigung. Der Versuch, es zu verkaufen, macht mir keinen Spaß. Wenn man sich also all diese Bilder anschaut, ist das unglaublich ehrgeizig und die natürliche Reaktion ist: „Das ist ein 300-Millionen-Dollar-Film.“ Es gibt keine Möglichkeit, dass wir das wirklich schaffen können. Wir würden es gerne tun, aber wir können es nicht wirklich tun.“ Und ich dachte: „Nein, wir werden es ganz anders machen.“ Wir werden es mit dieser sehr kleinen Crew drehen und im Wesentlichen den gesamten Film rückentwickeln. Theoretisch ist das, was man normalerweise macht, dass man all diese Designarbeit hat und die Leute sagen, dass man diese Orte nicht finden kann, also muss man Sets in einem Studio vor einem Greenscreen bauen, und das wird ein Vermögen kosten. Wir sagten: „Nein, wir wollen den Film an realen Orten, in realen Teilen der Welt, drehen, die den Bildern am nächsten kommen.“ Und dann, wenn der Film fertig geschnitten ist, bitten Sie den Produktionsdesigner und andere Konzeptkünstler, diese Bilder zu übermalen und den Science-Fiction-Film darüber zu legen.“ Und alle sagten: „Das hört sich großartig an.“ Im Grunde mussten wir versuchen, es ihnen zu beweisen.

An wie vielen Orten haben Sie gedreht?

EDWARDS: Bei einigen anderen Filmen, die ich gemacht habe, hatte man das Glück, ein paar Mal das Studio zu verlassen und an einen richtigen Drehort zu gehen. Dabei haben wir 80 Standorte besucht und keinen Greenscreen verwendet. Ab und zu gab es ein bisschen, hier und da, aber sehr wenig. Wenn man die Crew klein genug hält, so die Theorie, betragen die Kosten für den Bau eines Sets normalerweise 200.000 US-Dollar. Anscheinend kann man für dieses Geld jeden an jeden Ort der Welt fliegen. Und so dachten wir: „Lasst uns die Crew klein halten und zu diesen fantastischen Orten gehen.“ Und so reisten wir nach Nepal, in den Himalaya, zu aktiven Vulkanen in Indonesien, zu Tempeln in Kambodscha, Thailand, Vietnam und Tokio. Und dann haben wir ein bisschen bei Pinewood gearbeitet und die Lautstärke für einige Dinge verwendet, die nicht Greenscreen, LED-Bildschirm und Umgebung sind.

Ihr Gegenspieler dabei ist die künstliche Intelligenz. Wussten Sie, wie relevant das sein würde?

EDWARDS: Der Trick bei der KI besteht darin, dass es vor der Robo-Apokalypse ein Sweet-Spot-Fenster gibt und nicht danach, nämlich im November oder vielleicht Dezember. Wir hatten Glück [mit unserem Veröffentlichungsdatum]. Ich habe versucht, ein Datum zu vermeiden. Ich wollte kein Datum für den Film schreiben, weil selbst [Stanley] Kubrick da falsch liegt. Irgendwann muss man sich für ein Datum entscheiden, also habe ich etwas nachgerechnet und mich für 2070 entschieden. Jetzt komme ich mir wie ein Idiot vor, weil ich mich für 2023 hätte entscheiden sollen, mit allem, was sich in den letzten Monaten oder Jahren ereignet hat. Es ist erschreckend seltsam. Als wir den Film zum ersten Mal dem Studio vorstellten, wollte jeder die Hintergrundgeschichte über die Idee eines Krieges mit der KI wissen. Sie sagen: „Moment mal, warum sollten wir mit der KI Krieg führen?“ Wir sagten: „Es wurde verboten, weil es schief gelaufen ist.“ „Aber warum sollten Sie KI verbieten? Es wird großartig." Es gab all diese Vorstellungen, dass man das so hinstellen muss, dass die Menschheit diese Sache vielleicht ablehnen und nicht so cool dabei sein würde. Und die Art und Weise, wie es abläuft, der Aufbau unseres Films, entspricht im Wesentlichen den letzten paar Monaten.

Wie würden Sie diese Geschichte aufbauen?

EDWARDS: Ich würde sagen, dass die Welt in zwei Teile geteilt ist. Im Grunde ist in Amerika etwas Schreckliches passiert und die künstliche Intelligenz wurde verboten. Im Westen ist es völlig verboten, aber in Asien gab es kein solches Problem, also haben sie es weiterentwickelt, bis es nahezu menschenähnlich war. Es ist also dieser Krieg im Gange, um die KI auszulöschen. Staatsfeind Nummer eins, die Person, die jeder sucht, ist der Schöpfer. Aus westlicher Sicht ist es der Osama bin Laden unserer Geschichte. Aber aus Asien und der Perspektive der KI ist es wie Gott.

Was waren einige der Tools und neuen Innovationen, die Sie in Bezug auf Spitzentechnologie nutzen konnten, die es bei der Entwicklung von Rogue One im Jahr 2016 noch nicht gab?

EDWARDS: Ich denke, dass die Kamera- und Filmtechnologie selbst in den letzten Jahren große Fortschritte gemacht hat. Was uns bei diesem Film wirklich wichtig war, war, dass er sich so realistisch wie möglich anfühlen sollte, also brauchten ich und die Schauspieler am Set völlige Freiheit. Wir wären immer in der Lage, im 360-Grad-Bereich zu fotografieren. Der größte Nachteil, wenn Sie das in einem Film versuchen, ist, dass Sie Lichter haben, und in der Sekunde, in der Sie die Kamera bewegen wollen, können Sie plötzlich die Lichter sehen und Sie verbringen 20 Minuten damit, sie zu bewegen, also dauert es ewig eine Szene drehen. Wir haben also mit sehr empfindlicher Kameraausrüstung gearbeitet. Wir könnten die LED-Leuchten verwenden, die sehr leicht sind. Sie haben einen Boom-Operator, der eine Stange mit dem Mikrofon daran hält. Warum kann es also nicht auch eine Person geben, die eine Stange mit den Lichtern daran hält? Also hatten wir einen Trauzeugen, der herumlief und das Licht in der Hand hielt. Wenn der Schauspieler plötzlich aufstand und etwas tat und hierher ging und dann plötzlich eine bessere Aufnahme war, konnte ich mich bewegen und die Beleuchtung neu einstellen. Der Wechsel dauerte normalerweise 10 Minuten und dauerte vier Sekunden, sodass wir 25-minütige Takes machen konnten, bei denen wir die Szene drei- oder viermal abspielten. Es herrschte eine Atmosphäre von Naturalismus und Realismus, die ich wirklich erreichen wollte, in der es nicht so vorgeschrieben ist und in der man keine Spuren auf dem Boden hinterlässt und den Schauspielern sagt, sie sollen dort stehen bleiben. Es war nicht so ein Film.

Was hat Sie dazu bewogen, John David Washington und Ken Watanabe zu besetzen?

EDWARDS: Wir haben den Film während der Pandemie gecastet, daher war es wirklich schwierig, jemanden zu treffen. Glücklicherweise lebte JD in LA und ich hörte durch seine Agenten: „Hey, er würde dich jederzeit treffen, wenn du willst.“ Geh einfach etwas essen.“ So tat ich. Ich habe ihn während der Pandemie getroffen, und er kam mit seiner Maske herein, aber es war eine Star-Wars-Maske. Darauf war das Star-Wars-Logo zu sehen. Zuerst dachte ich: „Oh nein, er macht das wegen Rogue One.“ Und dann setzte er sich hin und gab zu, ein großer Star Wars-Fan zu sein. Er sagte: „Ich trage diese Maske seit etwa einem Jahr jeden Tag. Das schon während der gesamten Pandemie. Ich dachte darüber nach, es bei diesem Treffen nicht zu tragen, aber dann fühlte es sich falsch an. Also dachte ich, es wäre ein guter Eisbrecher.“ Wir haben uns sofort verstanden. Und dann ist Ken der einzige Schauspieler, mit dem ich zweimal zusammengearbeitet habe. Ich möchte immer etwas Neues machen, deshalb wollte ich lange Zeit nicht an Ken für diese Rolle denken. Und als er dann am Set auftauchte, kam ich mir wie ein Idiot vor. Offensichtlich sollte es von Anfang an Ken sein. Ich liebe Kurosawa-Filme. Das sind meine großen Inspirationen. Und jedes Mal, wenn man die Kamera hochhält und Ken im Bild ist, fühlt es sich an, als wäre diese seltsame Mischung aus Kurosawa und Star Wars, und das war genau das, was wir wollten. Er verursacht Gänsehaut. Da ist etwas an diesem Kerl. Er hat einfach dieses Gesicht. Der Grund, warum er international so erfolgreich ist, liegt nicht wirklich an dem, was er sagt. Allein durch sein Aussehen kann er so viel ausdrücken. Er ist so gut.

Wie hast du deinen Alphie gefunden?

EDWARDS: Wir haben im Grunde einen offenen Casting-Aufruf durchgeführt, überall auf der Welt. Wir haben Hunderte von Videos bekommen, aber ich musste nicht alle ansehen. Sie haben mir die Top 70 geschickt, und dann habe ich zehn Kinder kennengelernt. Die erste war Madeleine [Yuna Voyles], die Alphie spielt. Sie kam herein und drehte diese Szene, und am Ende waren wir alle fast in Tränen aufgelöst. Ich dachte mir: „Das ist seltsam und phänomenal.“ Vielleicht war ihre Mutter einfach großartig darin, sie so vorzubereiten, dass sie sich richtig aufregte, kurz bevor sie hereinkam und irgendein kleiner Trick im Gange war.“ Also unterhielten wir uns ein bisschen und drehten einige Szenen, und dann, ganz am Ende, wurde ich etwas grausam. Ich fragte: „Können wir noch etwas ausprobieren?“ Ich wollte sehen, ob es wiederholbar ist. Ich dachte: „Können wir noch eine Szene machen?“ Also habe ich eine andere Szene erklärt und wir haben sie einfach improvisiert, und sie war noch herzzerreißender. Ich weiß nicht, was wir getan hätten, wenn wir nicht das richtige Kind gefunden hätten. Wir hatten wirklich Glück. Der Film lebt und stirbt [mit ihrer Leistung]. Ich hasse Filme über kleine Kinder, weil sie so nervig sein können. Meine größte Angst war, dass wir eines dieser wirklich nervigen Kinderfilmkinder bekommen würden, deshalb war es die größte Erleichterung, als sie über ihre Jahre hinaus war. Es ist, als wäre sie wiedergeboren oder so.

Wie arbeitete Madeleine mit John David zusammen und umgekehrt?

EDWARDS: Sie ist ziemlich methodisch. Nun, ich kann nicht sagen, ob sie methodisch ist oder nicht, weil wir uns nur während des Filmemachens kannten und sie dafür sorgte, dass jeder in Reichweite war. Ich durfte ein wenig rein, aber sie und John David waren unzertrennlich. Er wurde ihr Ersatzbruder oder Vater, ich bin mir nicht sicher, welcher. Ich dachte, ich müsste sie austricksen. Als wir alle Szenen drehten, dachte ich: „Das muss wie ein Dokumentarfilm sein, damit wir diesem Mädchen diese Leistung zeigen können, ohne dass sie schauspielern muss.“ Und sie konnte ihre Hosen ausziehen. Sie war großartig darin. Es war der Traum eines jeden Regisseurs. Man könnte ihr einfach sagen, was Alphie dachte, und schon würde diese erstaunliche Leistung dabei herauskommen. Sie schauten sich die anderen Schauspieler an und dachten: „Warum können Sie nicht alle so sein?“ Was ist dein Problem?"

Wie unterschied sich das Filmen der Kampfszenen von Rogue One?

EDWARDS: Wir gingen zu echten Außenschauplätzen. Wir gingen zu Orten, die dem, was das Kunstwerk vermuten ließ, am nächsten kamen. Als wir in Thailand waren, mussten wir eine wirklich technologisch fortschrittliche Fabrik oder so etwas finden und haben überall gesucht. Es gab Automobilfabriken, die wegen unserer Dreharbeiten nervös waren. Schließlich fanden wir einen Teilchenbeschleuniger, der vermutlich der fortschrittlichste in ganz Thailand war. Wir sagten: „Könnten Sie uns bitte filmen lassen?“ Es sah fantastisch aus.“ Wir waren zu Besuch und sie sagten: „Hier darfst du auf keinen Fall filmen.“ Sie fragten: „Was möchten Sie tun?“ Und wir sagten: „Nun, es wird Leute mit Schüssen und Explosionen geben.“ Es handelte sich um eine Multimillionen-Dollar-Anlage mit all diesen führenden Spitzenwissenschaftlern, und sie sagten: „Das wird nicht passieren.“ Lassen Sie es gehen." Und dann, im allerletzten Moment, fragte jemand: „Welcher Filmemacher macht das?“ Sie sagten: „Das ist dieser Typ, der in den Staaten lebt.“ Sie sagten: „Nun, welche Filme hat er gemacht?“ Und sie sagten: „Oh, er hat diesen Star Wars-Film gemacht, der Rogue One heißt.“ Und sie fragten: „Können wir dabei sein?“ Und wir sagten: „Klar, was auch immer.“ Und so sind alle, die in dieser Szene herumlaufen, Kernphysiker. Sie waren erstaunlich.

Haben Sie vor und hinter der Kamera nicht viele lokale Talente eingesetzt?

EDWARDS: Ja. Und wir hatten eine Regel, nach der ich in der Lage sein wollte, das Videodorf mit dem Monitor und den Stühlen zu sehen und nicht zu sehen. Das wollte ich nirgendwo sehen. Ich wollte, dass es sich in gewisser Weise so anfühlt, als würden wir einen Studentenfilm drehen. Die Strandszene, in der Gemma rennt, und all das Kreuzfeuer, die Beschränkungen der Pandemie begannen gerade erst aufzuheben und Thailand öffnete sich für Touristen. Sie sagten: „Man kann an diesem Strand filmen, aber man kann ihn nicht schließen.“ Wir fragten uns: „Oh mein Gott, wie sollen wir diese Szene machen?“ Ich weiß nicht, was in Thailand normalerweise nachts an diesen Stränden passiert, aber wir haben diesen Strand nicht geschlossen. Wenn Sie genau in den Hintergrund schauen, können Sie Bars und Touristen sehen, die einfach herumlaufen, aber niemand kam vorbei und fragte: „Was machen Sie?“ Wir waren nur zu viert mit einer Kamera unterwegs und rannten herum. Es sah nicht so groß und massiv aus. Alles landet auf dem Bildschirm. Wir haben versucht, einfach sehr effizient damit umzugehen.

Was sind Ihre filmischen Einflüsse für diesen Film? Welche Filme würden Sie als Begleitfilme empfehlen?

EDWARDS: Ich habe diesen Aberglauben seit meinem ersten Film, als ich im Schnittraum Plakate aufhängte, die mich zu dem Film inspirierten, den ich mache. Rund um den Schnittraum zu diesem Film, einer, von dem Sie vielleicht nicht wissen, dass er Baraka ist, der meiner Meinung nach einer der großartigsten Filme ist, die je gedreht wurden. Und dann war da noch Lone Wolf and Cub, eine japanische Manga-Serie. Es gab die wirklich offensichtlichen, wie Apocalypse Now und Blade Runner. Was die Dynamik angeht, war vielleicht ein bisschen Rain Man dabei. Es ist eine Reise mit jemandem, der normal ist, und jemandem, der ein bisschen besonders, anders oder wie auch immer Sie es sagen möchten. Und da war Paper Moon.

Was war Ihre Inspiration für die Roboterdesigns?

EDWARDS: Wir haben versucht, das Design und die Ästhetik des Films so zusammenzufassen, dass er ein wenig retro-futuristisch ist. Stellen Sie sich vor, der Apple Mac hätte den Tech-Krieg nicht gewonnen, der Sony Walkman jedoch schon, also hat alles das Walkman/Nintendo-Feeling der Achtzigerjahre. Wir haben uns das gesamte Produktdesign aus dieser Zeit angeschaut und versucht, es auf die Roboter zu übertragen. Das Schwierige bei der Entwicklung von Roboterköpfen war der Versuch, Quellen zu nutzen. An einer Stelle machten wir einen ganzen Durchgang, bei dem wir Insekten und Insektenköpfe nahmen und versuchten, es so zu machen, als ob das Insekt von Sony hergestellt worden wäre. Wir haben Produkte genommen und versucht, sie in organisch aussehende Köpfe zu verwandeln. Wir haben Dinge wie Filmprojektoren und Staubsauger mitgenommen und dann einfach herumgespielt. Wir nahmen Dinge, fügten sie zusammen und entfernten dann Teile, und wir experimentierten einfach weiter. Es war wie eine Evolution im wirklichen Leben. Es war, als würde DNA mit anderer DNA verschmolzen und versucht, etwas Besseres als das Vorherige zu schaffen.

Zu welchen Regisseuren und Autoren schauen Sie auf und lassen sich von ihnen inspirieren?

EDWARDS: Die offensichtlichsten sind Steven Spielberg, James Cameron und Ridley Scott. Das ist der höchste Maßstab für das, was wir erreichen wollten. Ich behaupte nicht, dass wir dem Ziel auch nur annähernd nahegekommen sind, aber das Ziel des Films war es, zu dem Stil und der Art von Film zurückzukehren, den wir als Kind geliebt haben, und ihm wieder diese Atmosphäre und Ästhetik zu verleihen. Der Film wurde mit anamorphotischen Objektiven aus den 1970er Jahren gedreht. Ich hasse es zu schreiben. Es ist wie Hausaufgaben machen. Das Schlimmste auf der Welt ist, ein Drehbuch schreiben zu müssen. Der einzige Weg, wie ich mich wirklich dazu durchringen kann, ist, mich an einem schönen Ort einzuschließen. Ich finde ein schönes Hotel und sage, dass ich nicht gehen darf, bis ich fertig bin. Ich blieb dort einen Monat lang. Ich bin nach Thailand gereist, genau an die Stelle an diesem Strand. Ich wusste nicht, dass ich mich für den Film inspirieren ließ. Ich habe mir gerade dieses schöne Resort ausgesucht. Während ich dort war, war ein befreundeter Filmemacher in Vietnam und sagte: „Komm vorbei und wir machen einen kleinen Ausflug.“ Also bin ich durch Vietnam gereist. Man kann nicht durch dieses Land reisen und dabei nicht an all die Bilder aus Filmen wie „Apocalypse Now“ und „Platoon“ denken. Aber als ich diesen Science-Fiction-Film schrieb, drehte sich in meinem Kopf alles um Roboter und Raumschiffe. Man sieht buddhistische Mönche, die in Tempel gehen, und ich stelle mir einen buddhistischen Robotermönch vor. Ich verbrachte die ganze Zeit damit, zu fragen: „Oh mein Gott, was ist das für ein Film?“ „Blade Runner meets Apocalypse Now“ ist der schnellste Weg, es den Leuten zu [beschreiben].

Was war die größte Herausforderung bei den Dreharbeiten zu diesem Film?

EDWARDS: Ich würde nicht sagen, dass es eine bestimmte Sache gab, es war eher die Dauer davon. Wir haben im Januar 2022 mit den Dreharbeiten begonnen und sie im Juni abgeschlossen. Es herrschte sechs Monate lang eine ununterbrochene Hitze von 40 Grad (in Celsius, also 104 Grad Fahrenheit), die jeden Tag starb. Rückblickend ist es ein Traum, dass wir das schaffen konnten, aber es gab einen Punkt, an dem man zusammenbrechen wollte und man hatte erst sieben Drehtage hinter sich. Der erste Schnitt dieses Films war fünf Stunden lang. Wir hatten so viel tolles, cooles Material. Alles, was in diesem Film enthalten ist, ist das Beste aus diesem Material. Der Bearbeitungsprozess war im Grunde ein Jenga-Spiel, bei dem wir Dinge herausholten und sahen, ob wir sie übersehen hatten oder ob sie auseinanderfielen. Wir sagten: „Wenn wir es endlich auf zwei Stunden geschafft haben, dürfen Sie es tun, wenn irgendjemand etwas übersieht oder wieder einbauen möchte.“ Wir haben fünf Schüsse abgegeben. Es gab fünf kleine Momente. Das alte Sprichwort „Weniger ist mehr“ ist meistens richtig.

Was sind die besten Werte der Menschheit, die dieser Film Ihrer Meinung nach letztendlich veranschaulichen soll?

EDWARDS: Ich hoffe auf Empathie für andere. Das ist ein starker Wert, den ich für sehr wichtig halte. Als dieser Film begann, wusste ich natürlich nicht, dass die KI das tun würde, was sie letztes Jahr letztendlich tun würde. KI kam eigentlich nur im Märchen dieser Geschichte vor. KI waren die Menschen, die anders sind als wir, die wir loswerden wollen oder mit denen wir natürlicherweise Konflikte haben. Aber sobald man sie zur KI macht, passieren alle möglichen faszinierenden Dinge. Während Sie dieses Drehbuch schreiben, beginnen Sie zu denken: „Sind sie real?“ Was wäre, wenn Ihnen nicht gefiel, was sie taten? Kannst du sie ausschalten? Was ist, wenn sie nicht ausgeschaltet werden wollen?“ All diese Dinge begannen sich zu entfalten, was genauso stark wurde wie die Prämisse. Worauf ich im Film am meisten stolz bin, ist, dass wir daran festgehalten haben. Es gibt Dinge im Film, mit denen wir einfach großes Glück hatten. Wenn es im November herauskäme, nachdem wir in der Robo-Apokalypse getötet wurden, wäre es nicht so gut. Aber zum Glück erscheint es am 29. September.

Wie war es, als Hans Zimmer die Musik machte?

EDWARDS: Als es darum ging, wer die Musik für den Film machen sollte, waren von den 25 meistgespielten Titeln auf jedem iPhone 14 Titel von Hans Zimmer. Ich dachte: „Ich weiß nicht wie, aber wir müssen Hans Zimmer holen.“ Joe Walker, der Herausgeber von Dune, hat den Film zusammengestellt und viel mit Hans zusammengearbeitet. Er sagte: „Ich werde mit Hans reden. Er wird es tun.“ Ich dachte: „Wirklich?“ Wir landeten in dieser seltsamen Situation, in der ich mit Hans einen Zoom-Anruf tätigen musste, während ich mitten im Nirgendwo war. Wir wollten den Chef des Militärs in Thailand treffen, um die Dreherlaubnis für eine Sequenz in „Black Hawks“ zu bekommen. Es war dieses riesige Deal-Meeting, dessen Organisation Monate und Monate in Anspruch nahm, und es war zufällig derselbe Moment, in dem Hans für Zoom zur Verfügung stand. Wir mussten von der Straße abbiegen und ich ging in ein Hotel mitten im Nirgendwo, weil es dort WLAN-Signal gab. Sie sagten: „Du musst in 30 Minuten gehen, denn das gesamte Militär wartet auf uns.“ Und so schaute ich auf diese Uhr und er fing an, über seine Anekdoten über The Dark Knight und Terrence Malick zu sprechen. Mein ganzes Leben lang wollte ich mit ihm über diese Filme sprechen und musste sagen: „Hans, ich muss gehen. Es tut mir wirklich leid, aber ich muss jetzt gehen.“ Wir zeigten ihm den kleinen Test, den wir für das Studio gemacht hatten, und er sagte: „Okay, ich bin dabei.“

Wie sind Sie an die Zusammenarbeit mit Ihrem Kameramann Greig Fraser herangegangen?

EDWARDS: Ich habe mit Greig an Rogue One gearbeitet, und während wir daran gearbeitet haben, musste er auch an Dune 2 arbeiten. Sein Schützling, Oren Soffer, war während eines Großteils der Dreharbeiten in Thailand unser Kameramann. Das Wichtigste bei einem DoP ist, dass man genau den gleichen Geschmack hat. Je weniger Sie darüber reden müssen, was gut und was schlecht aussieht, und ihre Instinkte Ihre Instinkte sind, desto einfacher geht es. Wir waren uns alle völlig einig. Greig ist sehr rebellisch, auch wenn das vielleicht aussehen mag, weil er diese großen Filme dreht. Im Vorfeld dieses Films besuchte ich eines dieser Virtual-Reality-Studios, und dort hing dieses Poster mit der Anleitung, wie man einen Film macht. Es war einfach jeder Teil des Prozesses. Ich schaute es mir an und dachte: „Was für ein seltsames Ding? Warum haben sie dieses Poster?“ Der Typ, der das Ding leitete, kam auf mich zu und sagte: „Ich sehe, wie du auf das Plakat schaust. Das ist hundert Jahre alt.“ Wir haben die Art und Weise, wie Filme gemacht werden, seit hundert Jahren nicht verändert. Wir machen es immer noch, genau auf die gleiche Weise. Mit all diesen neuen digitalen Werkzeugen und Technologien gibt es andere Möglichkeiten, Filme zu machen, und Leute wie Greig und ich möchten die Dinge wirklich anders machen, denn so macht man eine andere Art von Film. Der Prozess ist bis zu einem gewissen Grad genauso wichtig wie das Drehbuch.

Würde es Ihnen etwas ausmachen, über die Möglichkeiten und die Kraft der Science-Fiction für gesellschaftliche Kommentare und Reflexionen zu sprechen?

EDWARDS: Oh mein Gott, das ist wahrscheinlich der Grund, warum ich Science-Fiction mag. Es besteht die Möglichkeit, dass Sie es unter Ihrem Radar verschwinden lassen. Meine Lieblingsfernsehsendung als Kind war The Twilight Zone. Rod Serling hat viele dieser Serien geschrieben und der Grund, warum er Science-Fiction gemacht hat, war, dass er sie unter das Radar der Zensur bringen und Dinge sagen konnte, die man normalerweise nicht laut sagen darf. Wenn Sie sich hinsetzen und anfangen zu tippen, versuchen, einen Film auszuarbeiten, und sagen: „Ich möchte einen Film darüber machen, der diesen sozialen Kommentar enthält“, wird es ein Quatschfilm sein. Sie werden von einer Idee angezogen. Es hat etwas sehr Ursprüngliches, das einen anzieht. Zu diesem Thema muss noch etwas gesagt werden, und dann, mitten im Schreiben eines Films, beginnt einem klar zu werden, worum es geht. Es ist wie ein Kind. Es sagt Ihnen, was sie werden wollen, wenn sie erwachsen sind. Man lernt, was es ist, und dann versucht man, ihm zu helfen. Science-Fiction macht es am besten, weil wir alle unser Leben mit bestimmten Überzeugungen verbringen, diese aber nie wirklich auf die Probe gestellt werden, weil man bis zum Ende seines Lebens kommen kann und nie wirklich herausgefordert wird. Du tust einfach alles, was du tun sollst. Aber Science-Fiction sagt: „Was wäre, wenn die Welt so anders wäre?“ Nun beginnt sich der Gedanke, den Sie für wahr gehalten haben, als falsch zu erweisen, und Sie beginnen, Dinge in Frage zu stellen. Ich liebe diese Art des Geschichtenerzählens. Das ist die interessanteste Sorte. Ich hoffe, unser Film leistet ein wenig davon.

„The Creator“ kommt am 29. September in die Kinos.

Christina Radish ist Senior Entertainment Reporter bei Collider. Nachdem sie über ein Jahrzehnt lang (seit 2009) bei Collider gearbeitet hat, liegt ihr Hauptaugenmerk auf Film- und Fernsehinterviews mit Talenten vor und hinter der Kamera. Sie ist eine Fanatikerin von Themenparks, was dazu geführt hat, dass sie über verschiedene Land- und Fahrgeschäftseröffnungen berichtet, und ein großer Musikfan, für den sie das Leben nach der Zeit vor Pearl Jam und der Zeit danach beurteilt. Sie ist außerdem Mitglied der Critics Choice Association und der Television Critics Association.